Un post diverso dal solito, perché questa volta a scriverlo non è il vostro amato Pavo bensì il vostro odiato webmaster. Questo vuole essere un post per i nostalgici. Non so quanti di voi sono cresciuti a pane e Lupo Alberto (anche se credo molti :D) e probabilmente tanti di voi si ricorderanno di queste geniali strisce. Sergio. Sergio è un (cito da Wikipedia) varanide antropomorfo di professione detective privato. Per chi non ha avuto la fortuna di leggerlo ve lo ripropongo su queste pagine, con la benedizione diretta di Greg. Visto che queste vignette sono introvabili online.. sono riuscito solo recentemente a mettere le mani sui quattro Lupo Alberto del 1991 in cui erano pubblicate e a scannerizzarle!

Buona lettura!

Coscina di pollo?

E’ vero, sono sparito da un po’, ma quello che conta è  rimanere vivi, per due motivi:

- Il primo è che ci stiamo noi stessi riorganizzando, cercando di trovare una struttura più efficiente in modo da non permettere alla nostra idea di blog di assopirsi.

- La seconda è perché capita a tutti, chi prima chi poi, di morire, ma non succede invece tanto spesso di partecipare (da vivi) al proprio funerale.

Felix ”Bush” Breazeale l’ha fatto nel 1938, 5 anni prima della sua morte: questa è la sua, e la nostra storia.

Forse la prima domanda che vien da chiedersi è un semplice: e perché?
Succedesse oggi una cosa del genere, molto probabilmente verrebbe chiamata installazione artistica, o sarebbe una sterile critica alla società, e perché no anche ai social network. Insomma sarebbe l’ennesima trovata un po’ fuori dal comune, ma non troppo. Di quelle che chi le fa porta sicuro gli occhiali grossi e una bella barba incolta. Ecco, la barba è l’unica cosa che ci sarebbe in comune con le motivazioni del vecchio Felix (a chiamarlo Bush proprio non ci riesco). Perché l’ha fatto, dunque?
Per un motivo meraviglioso, cioè poterselo godere anche lui. Poterci partecipare insieme a tutti gli altri. Badate però che tutti gli altri non sono quella trentina di persone che solitamente affollano un funerale. Felix ci ha invitato tutti i suoi concittadini.

Siamo a Loudon, piccola cittadina nella contea di Roane, Tenessee, che oggi conta circa 4 mila abitanti. Felix ha una reputazione controversa. Si sa che vive solo, non è sposato e tantomeno ha mai avuto figli. Si sa solo che verso la fine del 1800 è stato accusato e processato per omicidio. Accusa per la quale verrà successivamente assolto, ma che finisce per segnare un po’ l’idea che gli altri hanno di lui. Tornato in libertà, Felix inizia una profonda riflessione personale e (se mi permettete) sociale.

Tutti prima o poi si chiedono quale opinione hanno gli altri di noi: c’è chi cerca di nasconderne la bramosia, chi più ansioso, chi si preoccupa di fingersi un altro. Chiedersi chi siamo, cosa siamo diventati e se gli altri ci conosco davvero per quello che siamo, è nella natura umana. Felix comincia a chiederselo, presumibilmente, negli anni ’30. Attorno a lui il mondo sta cambiando, cavalcando l’onda dell’industrializzazione, del petrolio e delle automobili. A lui invece piace sempre usare il suo mulo, dal quale non si stacca mai. Forse è questo suo rifiuto di seguire gli altri, o l’accettazione di non poterlo fare, che lo spingono a domandarsi quale sia la sua reputazione all’interno della società. Così va da Frank Quinn, gestore dell’impresa funebre della città, e gli espone la sua idea: organizzare il proprio funerale, invitare tutti, così che possa trovar risposta. Frank ne rimane entusiasta, e si mette subito all’opera. Il risultato che ne seguì, fu un evento che ancora oggi viene ricordato con gioia.

Più che una festa di addio, quella che fu organizzata il 26 giugno del 1938, fu uno sterminato pic-nic, con tanto di gelato per tutti.
Furono più di 8 mila le persone che parteciparono. Le auto degli ospiti, parcheggiate in fila, furono disposte lungo 4 kilometri. Si racconta anche che John Cook, un imprenditore della zona, mise a disposizione i suoi terreni come parcheggio, al prezzo di 25 cent. A fine giornata, John si ritrovò con circa 300 dollari in tasca (che erano tanti). I venditori di bibite e hot dogs vissero uno dei giorni più ricchi della loro vita, fiori furono inviati dalle vicine cittadine di Knoxville e Chatanooga. Musicisti e coristi provenienti da tutta la contea non vollero perdersi l’occasione.
Felix si presentò a bordo del carro funebre seduto davanti, e da ottimo falegname quale era, si era costruito da solo una bara in legno di noce. Proprio come voleva, Felix si ritrovò a stringere migliaia di mani, a firmare autografi (con una bella X, era analfabeta), e tutti ebbero, come si suol dire e ben si addice: the time of your life.

Durante il party, il non-morto disse che quello sarebbe stato il suo unico funerale e che non ce ne sarebbe stato un altro.
Così fu, perché Felix visse altri 5 anni durante i quali divenne una vera e propria celebrità, che lo portò ad essere intervistato in radio a New York, poi morì. Solo poche persone parteciparono al suo funerale (come aveva chiesto), il 9 Febbraio 1943. Nessun epitaffio, o canzone. Per anni, molti, non fu posata alcuna pietra tombale in suo ricordo. Solo di recente è stata posta una lapide che riporta la frase “Colui che ha partecipato al proprio funerale il 26 Giugno 1938, 5 anni prima della sua morte”.

La storia di Felix non si è persa nella storia, e lo scorso anno è stato girato anche un film, scritto da un suo discendente (seppur acquisito). Ci sono ovviamente molte libertà narrative, atte a rendere la storia più interessante e misteriosa, ma l’interpretazione di Robert Duvall è meravigliosa. La somiglianza con il vero Felix è sconcertante. Get Low è un film così così, a dire il vero, ma c’è Bill Murray, e questo dovrebbe bastare.

Se poi non vi basta volerlo vedere, ma volete subito scoprire cosa nasconde Felix nel film, allora c’è sempre il nostro caro Reliops (che potete pure mandare a chi volete, per rovinargli il finale). Questo intanto, il trailer.
Chiudo con un ricordo.
RESTIAMO UMANI

Tra le innumerevoli cose capaci di deluderci con cadenza annuale, una di queste è senza dubbio la cinematografia aliena. Non che abbiamo mai avuto modo di vederci una pellicola marziana, ma le banali, prevedibili e soprattutto incredibili (letteralmente) storie messe su dai gringos hollywoodiani sulle invasioni extraterrestri riescono sempre a sorprenderci per la loro ecologia: riciclabili, intercambiabili, riusabili. Cosa che tra l’altro li accomuna a tutti gli altri film del settore intrattenimento mozzafiato: vampiri, licantropi, zombie, nazisti e robottoni. Questo sarà di nuovo il loro anno (la cadenza ciclica dei trend è sconcertante), come preannunciato l’anno scorso dalla rimessa in onda dei Visitors; ma a partire, solo per prendere in considerazione i ‘tempi moderni’, da quella cagata che è stata Indipendece Day ad oggi, possibile che non ci sia spazio per storie che riescano a staccarsi anche solo un po’ dal veni, vidi, non-vici ? E quanto è lecito pretendere la parola “credibile” per poter descrivere una storia che mai nessuno ha ancora vissuto?

Innanzitutto diamo un’occhiata alla fisionomia degli extra-terrestri. Torniamo un po’ indietro nel tempo, ma tanto eh, per la precisione 1951. In The day the earth stood still, l’alieno che viene qui ha una forma umanoide, mentre La guerra dei mondi (1953) ci mostra già qualcosa di diverso, cui prenderà un po’ spunto l’ET di Spielberg, cioè un tarchiatello cinquantenne. Poi le cose cambiano, le forme aliene diventano più sgradevoli, per stimolare quel classico patriottismo made in Usa, esportato, deriso e apprezzato in tutto il mondo. Prima i Visitors, appunto, dove i maledetti si sono mimetizzati tra noi, poi il capolavoro di Ridley Scott, Alien, formano il modello su cui si basano gli extraterresti moderni. Oggi (ma anche dieci anni fa in Men in Black) gli alieni sembrano tutti degli orribili, liquamosi e bavosi insetti. Che poi vien da chiedersi com’è possibile che sti bavosi spesso abbiano le navicelle più pulite della galassia, quasi fossero degli universali germofili. Il cambio della fisionomia mi ricorda molto quello delle macchine in The Matrix: per chi non avesse avuto modo di vedere i cortometraggi raccolti nel DVD Animatrix, in questo ci sono due corti che narrano la storia dell’evoluzione della guerra tra uomo e macchina. Mentre passavano le cruente immagini della cattiveria umana nei confronti delle macchine che non volevano nient’altro che diritti (metafora di tutte le dittature storiche), si assiste al cambiamento. Le macchine, una volta diventate indipendenti, si riproducevano (passatemi il termine) in forma umana, con gambe braccia occhi etc. Poi, man mano che la loro natura (passatemelo di nuovo) prendeva le distanze da quelle dei loro creatori, allora decisero di utilizzare le forme degli insetti, più agili e funzionali.

Ma in generale, questa scelta degli sceneggiatori credo che abbia un’origine diversa. Gli alieni devono avere forme più bestiali (anche in Avatar ce l’hanno), sono costruiti e disegnati, nel sottotesto, come di razza comunque inferiore. Per cui se sono cattivi, la loro cattiveria dev’essere visibile e violenta (Predator). Se sono buoni, saranno le animalesche vittime della razionalità umana. Se mantengono fisionomia umanoide, sarà invece perchè hanno razza superiore (spesso sono alti, allungati, esili): come in Mission to Mars o l’ultima cagata di Indiana Jones. Poco credibile, ma banale, quindi funzionale allo spettatore. Ah, l’ho detto che tutti gli alieni, tutti, sono sempre nudi? Ma perchè cazzo, cazzo!

Capitolo Tecnologia aliena. Parliamoci chiaro: fino ad oggi le avanzatissime tecnologie aliene hanno sempre fatto cilecca contro dei primitivi. Non importa che siano stati in grado di arrivare al nostro pianeta da chissà dove, aver sviluppato tecnologie che evidentemente permettono viaggi lunghissimi in tempi brevissimi (supponiamo nel giro di qualche piccolo anno). Non importa che le loro armi siano più mortali, abbiano costruito un piano strategico e una tecnologia per sopravvivere al nostro pianeta e sopportare la nostra gravità. Quelli che vengono a romperci le balle sono stupidi, sempre. Deve essere così, non c’è nulla da fare. Se perdiamo è solo perchè il male l’abbiamo creato noi, non perchè viene da fuori (Terminator, The Matrix, Resident Evil etc).

Partiamo appunto da Indipendence Day (ma anche un po’ la Morte Nera).

Dischi volanti sulle città. Una nave madre nell’orbita terrestre. Armi imbattibili. Scudi di energia. L’uomo non aveva la benchè minima possibilità di sopravvivere ad un attacco così esteso (quanto sommario). E invece no, questi alieni che nonostante i resistenti esoscheltri protettivi riescono a farsi prendersi a pugni in faccia da un ghetto superstar e svenire, non sapevano della nostra arma segreta.

Un virus di un computer. Un virus di un computer del 1996. Un virus del computer del 1996 che riesce ad infettare una nave madre in orbita su un pianeta terrestre grazie ad una mega chiavetta USB pilotata dal ghetto superstar e da un rabbino. E poi l’inarrestabile arma finale. Un ubriacone si schianta nell’unico buco delle navi. Come per la Morte Nera (forse un odiosa citazione). Gli alieni più forti e tecnologici costruiscono le proprie navi in modo che il loro punto debole sia un bel buco capace di distruggere tutto.Non c’è male.

Nel remake de La guerra dei mondi, a vincere gli alieni non siamo nemmeno noi, ma i batteri. Perchè questi che hanno fatto kilometri per raggiungerci hanno pensato di entrare nella nostra orbita a cazzo. Di invaderci, farci diventare melma rossa etc. senza pensare se il nostro ecosistema fosse più o meno compatibile con ciò che serve loro a sopravvivere. Non prenderò in considerazione Mars Attacks di Tim Burton, dove era la musica a far scoppiare la testa ai cervelloni e che per il suo palese sarcasmo si è meritato l’immagine del titolo. Quello è un film a parte. Quello del decaduto Shyamalan, Signs, invece; quello con Mel Gibson e della moglie a metà. Parliamone. Qui gli alieni sono spilungoni, nudi (ovviamente), che hanno invaso un pianeta composto per la maggior parte della sua superficie da acqua. Il loro punto debole? L’acqua, così poca sulla Terra che mica si vede dallo spazio eh. Che poi magari piove no?

Insomma, quest’anno ci saranno nuovi prevedibili alieni. Skyline è già uscito e ha già fatto ridere milioni di spettatori, aspettiamo Battle Los Angeles e Iron Sky (con i nazisti che vengono dalla luna. Geniale.), Super 8 di JJ Abrams (che ci ha preso per il culo per anni con i suoi prodotti puramente viral), e il nuovo orribile Transformers (ricordo che i robottoni sono alieni, non robottoni). E vogliamo parlare di Cowboys & Aliens? Nemmeno contro i vaccari ce la fanno…Perchè tutto questo?

Semplice. Perchè narrare un’invasione bellica credibile (per il mio punto di vista), sarebbe noioso. In La guerra dei mondi una cosa giusta l’avevano beccata. Questi arrivano e ci annullano ogni possibile forma di energia. Ci tolgono tutto, pure il microonde con il quale potevamo farci i popcorn mentre ci invadevano. E poi parliamone, nessuna invasione punta ad azzerare la popolazione invasa. Vinci e quelli li metti in catene. Così andrebbe fatto con tutta la tecnologia che hanno, no? Andare ad inseguire i civili, tutti i civili, per polverizzarli (con il conseguente dispendio di energia) mi sembra una mossa stupida. Che poi per forza devono provare ad ammazzarci? Perchè non fare una storia sul primo incontro tra popoli, con quelli che per la prima volta nella loro storia riescono a mettersi in contatto con un altro pianeta, e quindi tutte le problematiche e i tentativi di comunicazione, le incongruenze sociali etc?

Qualcosa c’è. Ed è il nuovo filone dei film alieni, ma non solo (basta guardare Lasciami entrare, nel campo dei vampiri). Quello che più apprezzo e che rende l’alieno non protagonista (nel bene o nel male), ma quasi contorno alla storia. Cioè viene utilizzato il mezzo alieno per raccontare una storia interessante e spesso con la tecnica del mockumentary. Come in District 9 emerge l’impossibilità di convivenza, nel prossimo (bellissimo e low-budgetissimo; non ci credereste mai, ma solo 15 mila dollari) Monsters gli alieni hanno ben altro in testa, piuttosto che pensare a sentir gridare gli uomini come scolarette liceali.

Live long and prosper.

www.youtube.com/watch?v=njeofv4dr9Q

Cosa serve per potersi autoproclamare uno che ‘di arte ne sa’ ? Quanti sono i quadri che bisogna aver visto, i pittori che è necessario aver studiato, gli stili che vanno analizzati, quante sono le correnti artistiche delle quali bisogna essere a conoscenza per potersi definire amanti dell’arte? La storia dell’uomo e dell’arte è molto lunga e da quando il sistema educativo ha smesso di imporci di studiarne l’evoluzione tramite la scuola dell’obbligo, non tutti poi si ricordano chi ha dipinto cosa o portano avanti la propria passione (o talento) seguendo avidamente la moderna forma d’arte. C’è qualcosa che però non mi ha mai convinto, qualcosa che mi ha fatto sempre dubitare del peso specifico, dell’importanza, del valore dell’arte di oggi. Questa cosa è proprio la modernità, l’oggi quotidiano, i nuovi mezzi che l’artista ha trovato per dare forma a concetti e stili, la contemporanea facilità di creare qualcosa di non-ordinario per definirlo creativo, artistico. La cosa che più mi lascia perplesso è però il tempo. C’è una parte dell’arte che oggi non è fatta per restare: è fugace, temporanea, quasi a scadenza. Ciò che viene creato viene quasi subito privato, come se la fugacità della performance, dell’installazione, dell’arte, aiutasse quest’ultima a rimanere impressa nel tempo. C’è poi da aggiungerci la componente tecnologica che ha cambiato e cambierà interfacce artistiche, il modo in cui rapportarsi ad essa e in cui forgiare nuove eterogenee opere. A questo proposito Gipi ha scritto un meraviglioso articolo su Il Post qualche mese fa. Non mi dilungherò oltre sul come il progresso abbia cambiato la materialità dell’arte, ma vorrei spingermi a riflettere sul cosa sia oggi l’arte e sul cosa mi spinga a ripudiarla, odiarla, scalfirla per sfregiarla e infine tornare ad apprezzarla. Non saprei nemmeno dare una data di inizio dell’arte moderna, ma se penso al concetto che dovrebbe descriverla, i nomi che mi vengono in mente sono Warhol, Basquiat, Keith Haring. Ecco sì, mi viene in mente il pop, i colori brillanti, i contorni definiti, oppure le macchie di colore, gli schizzi confusi e i tratti quasi graffianti. Mi vengono in mente concetti de-concettualizzati, icone private della loro iconicità, significati che si intrecciano a segni diversi e segni che perdono i propri sensi. Era un tipo di arte che rompeva gli schemi artistici e stilistici rispetto a tutto il resto. Come l’istinto creativo puro di Basquiat e dell’arte Brut, un’espressione smaliziata di se stessa che non cercava notorietà o stupore, ma che arrivava agli occhi sgrammaticata: senza pudore né cultura, ma soprattutto senza programmi, senza progetti né esposizioni. Haring ha iniziato disegnando sui cartelloni pubblicitari stracciati dispersi tra le metropolitane di New York. I suoi disegni erano tutti intorno a noi, ignorati fino a che qualcuno aveva deciso che si trattava di arte. In poche ore tutti i disegni nelle metro furono strappati e portati via. E’ per questo che mi chiedo che cosa serve oggi per poter parlare di arte, poter giudicare Cattelan o parallelamente la creatività del design che pretende di ammorbidire ciò che serve ruvido. La verità è che mi sento circondato, quasi oppresso dall’avidità e la presunzione artistica. E’ un po’ come la questione della fotografia: quando qualcosa perde il suo elitarismo (a mio vedere giustificato), allora il movimento si inchioda, non si evolve. Ristagna in un liquame dove tutti pretendono di metterci qualcosa di proprio per sentirsi parte di un elìte: senza accorgersi di togliere credibilità a favore dello snobismo, livellando verso il basso le potenzialità di un’intera generazione artistica e professionale che fatica a trovare una propria identità. C0sì quello che traspare oggi dal nuovo campo artistico è tanta confusione, come se ogni artista volesse imporre il proprio stile, dimostrare di essere il nuovo ‘nuovo’ ; come se non fosse più in grado di comunicare con il mondo dell’arte stessa, con gli altri artisti. Ho la strana impressione che oggi creare sia molto simile ad una competizione, a una rat-race dove vince il più ‘alternativo’, un contesto in cui l’arte si è individualizzata, spenta per la necessità di osare e scandalizzare, dove non è più importante la critica o la raffigurazione, ma solo l’immagine (nel senso superficiale del termine) e il mercato dell’arte. Ho come la sensazione che si sia estinto il movimento, quello fatto di collaborazioni, di condivisione di idee, di costruzione fine a se stessa e sperimentazione parallela di stili, come quello che tra l’ottocento e il novecento ha permesso all’arte di creare correnti e capolavori. In che modo un critico, oggi, riuscirebbe a dare un nome al movimento odierno così come fece con l’Impressionismo? Quale nomenclatura riuscirebbe ad accomunare oggi una pluralità di artisti? Io azzardo (presuntuosamente) Massive Art. L’arte della massa, quella che calcola l’arte secondo canoni metrici piuttosto che artistici, quella che più ne hai fatta, più ne hai costruita basandoti sulla reazione che vuoi ottenere, più verrà apprezzata e soprattutto valorizzata. Quella dove tutti possono proclamarsi artisti perché è sufficiente avere uno sponsor, un capitale alle spalle che ti permetta di investire su materiali e soprattutto marketing. Un arte creata per stupire e che per questo perde la propria purezza. Tornando a Cattelan, per esempio, io non sono nessuno per giudicarne la sua formazione e la sua ideologia artistica. Posso solo impressionarmi per quello che vedo e che ho visto della sua ‘produzione‘ (perchè di questo si tratta): costruzioni modellate per fare sensazione, per avere una reazione (preventivata) da chi la guarda, per sentirsi scomodi, a disagio o persino offesi solo per il gusto di essere in grado di farlo. Cioè voler scomodare sentimenti contrastanti nel più facile dei modi: prendere un simbolo, demolirlo con la sua nemesi, prendersi gli applausi. E’ certamente su questo che (giustamente) si basa la composizione artistica moderna, ma se manca la genuinità, se manca quello spirito artistico che oggi mi sembra contraffatto dal populismo, allora si è pronti ad esaltare ciò che altro non è se non sciatta provocazione. Se davvero voglio ripensare all’arte moderna nella sua genuinità, mi viene in mente quella che torna agli anni ottanta, quella che non cerca una sua emancipazione dalle gallerie o dai mecenati, ma che che esprime ciò che vuole esprimere senza presunzione né smanie di grandezza; cioè quella Street-Art, evoluzione del graffitisimo, che se non perdura nel tempo è perchè le autorità decidono di cancellare tutto. Mi viene in mente Banksy, il movimento che ha contribuito a sviluppare, che ha trovato in lui un punto di riferimento e che la visibilità se l’è guadagnata tentando di rimanere anonimo il più possibile, esprimendo quanto più poteva senza coltivare alcun tipo di culto della persona o dello scandalo. Rompendo i nuovi schemi, dando qualcosa per cui riflettere senza creare sensazionismo gratuito, ma discretamente e sottilmente, così come l’arte richiede. E’ sufficiente guardare ciò che ha fatto sul muro in Israele per capirlo. Nel suo primo e (credo ultimo) film (Exit Through the Gift Shop), Banksy ha rotto altri schemi, ha portato al cinema (americano ovviamente) migliaia di persone facendo credere di parlar di sé. Ha costruito una nuova opera d’arte in cui la street-art non è protagonista, ma strumento per dire una sola, unica verità: l‘arte è per tutti, non di tutti. Guardatelo, e ditemi se non ha ragione.

www.youtube.com/watch?v=GTlm6dU2xHk

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Sta succedendo qualcosa in Africa, da secoli ormai. Qualcosa di cui continuiamo ad ignorare la portata, perché qui in Europa si sta bene, c’è benessere, progresso, un libero mercato che permette lo sviluppo di derive fatte di mode, design, intrecci, pubbliche relazioni, agenzie di eventi e tutto il resto. Tutte quelle implicazioni che il capitalismo coinvolge ed offre a chi ha la fortuna di averci a che fare. In Africa no, niente di tutto questo. Dell’Africa spesso si parla solo per ricordare le storie e leggende della Seconda Guerra Mondiale, delle fottute tende libiche, dei resort sul Mar Rosso o per fare la conta di quanti orfani si è portata via Angelina Jolie o di quanti figli si è comprata Madonna. Quando si entra nel particolare, invece…

Quando si fa la conta di quanta gente muore ammazzata ogni minuto, di quanti paesi sono sull’orlo del genocidio e di quanti sono a morire per le esalazioni chimiche, nucleari, per le contaminazioni petrolifere dei territori e le guerre civili/etniche/religiose, la cosa che più spesso mi sento rispondere sono due dogma: “Ricordati che se noi qui stiamo bene è perchè da qualche altra parte qualcuno DEVE star peggio” e (memoria infantile) “Finisci di mangiare che in Africa i bambini muoiono di fame”. Già, i bambini. Alla fine della situazione africana ce ne rendono partecipi sin da piccini. Solo che i nostri genitori (per carità, in buona fede), ce lo dicono per farci sentire in colpa, per prepararci ad assimilare il primo dogma enunciato.E’ come se ci imponessero di finire di mangiare perchè in Africa ci sono bambini che si sacrificano per la nostra salute, come se riempirci la pancia e alimentare l’obesità occidentale portasse sorrisi e sazietà in quei bambini che vivono in condizioni disperate. Sudan, Somalia, Nigeria, Rwanda e oggi Costa D’Avorio sono solo alcuni dei paesi afflitti dai più terrificanti conflitti che hanno colpito l’intero continente, minato la sopravvivenza di intere etnie o mandato a morte giustizia e libertà, impersonate in uomini e opere oggi dimenticate. Alcune di queste ci arrivano, fortunatamente, grazie al cinema (vedi ‘Hotel Rwanda’), ma spesso i telegiornali preferiscono tralasciare, per variegati motivi, ciò che accade. Non fa notizia un conflitto che sta per scoppiare, fa notizia un conflitto già in corso.

Questa è una di quelle storie che non va dimenticata. Nelle ultime settimane 14 mila ivoriani hanno lasciato il paese per la minaccia di una guerra civile: non parlerò di Gbagbo e delle ultime elezioni in Costa D’avorio (c’è ancora qualche flebile speranza cui aggrapparsi), ma di come questo esodo di massa mi abbia ricordato quello del Sudan di qualche anno fa, quando 27 mila bambini, orfani, si misero in marcia per scampare alla guerra e alla morte.

Da quando nel 1956 ha guadagnato la sua indipendenza dall’Inghilterra, il Sudan è stato costantemente dilaniato da un’interminabile guerra civile: la prima terminata nel negli anni ’70, mentre la seconda ha avuto ufficialmente termine nel 2005. La base del conflitto pone le sue fondamenta sulle rivendicazioni di autonomia delle regioni meridionali del paese che, al contrario di quelle settentrionali, non sono arabe né di religione musulmana.Lo stesso impero inglese, infatti, durante la sua occupazione ha sempre cercato di scoraggiare i contatti e le relazioni commerciali tra le due parti del paese, e l’insorgere dell’indipendenza, che ha sancito che l’arabo diventasse lingua nazionale, ha immediatamente alimentato le tensioni. Le cause in realtà sono molteplici: razzismo e religione e centralismo statale. Aldilà delle tensioni, però, ciò che preme sottolineare è la definizione del paese nel 2004, : quasi 2 milioni di vittime e 4 milioni di profughi, la Comunità Internazionale la descrisse come ‘la più grave situazione umanitaria planetaria‘. Considerato che è il più alto numero di vittime registrate dal termine della Seconda Guerra Mondiale, si suppone che la descrizione calzi piuttosto bene.

I Lost Boys si contavano in circa 27 mila, per la maggior parte maschi tra i 7 e i 17 anni, appartenenti alle etnie Nuer e Dinka (del Sudan meridionale). Il perché mancassero le bambine è purtroppo abbastanza prevedibile. Quando i villaggi venivano attaccati le donne venivano stuprate, uccise o rapite per diventare schiave sessuali o vendute ad altre famiglie. La migrazione di massa iniziò nel 1987, quando la guerra civile raggiunse il suo apice e i ragazzi scapparono via dalle proprie case senza niente se non ciò che indossavano. Si ritrovarono tutti a seguire lo stesso percorso, partendo dal Sudan meridionale diretti verso l’Etiopia; per capirci, sono centinaia di miglia, a piedi nudi, a 7 anni. Senza niente da mangiare, niente con cui ripararsi, niente con cui difendersi dai banditi o gli animali selvatici. La loro tragedia però, per chi sopravvisse a questa prima migrazione, non era finita. Nei primi anni novanta anche in Etiopia, la loro meta, fu colpita dalla guerra civile. I campi profughi occupati dai Lost Boys (e le poche Lost Girls) vennero abbandonati e loro costretti a tornare sui loro passi. Questa volta la loro migrazione sviluppò durante la stagione delle piogge. In molti morirono di fame, per malattie, per le esondazioni dei fiumi o per i bombardamenti dal cielo. Una volta giunti al confine con il Sudan, questa volta si diressero chi verso il Kenya, nel campo profughi di Kakuma, situato nel nord-ovest del paese, chi verso il vicino Uganda. Da qui, non si muoveranno più, resteranno protetti nei campi profughi, tra di loro, ricordando la propria casa, ricordando di non poterci più tornare.

La storia dei Lost Boys, per quelli che ce l’hanno fatta, non finì però in questo modo, costretti a crescere e vivere all’interno di un campo in un paese non loro, in un luogo che forse non può nemmeno essere definito parte di quel paese. Senza la possibilità di farsi una famiglia, creare una nuova comunità o tornare ai propri villaggi. Dal 2000, infatti, l’organizzazione International Rescue Committee (cui si deve la definizione di Lost Boys), mise a punto un programma per trasferire i boys che nel frattempo si sono fatti uomini, in varie città americane. Ad oggi il progetto ha trovato una nuova casa a 4 mila di loro, che mai si sono dimenticati dei 17 mila fratelli che ancora oggi vivono in quei campi, in attesa di poter tornare a casa, insieme. Qualcuno è diventato uno sportivo americano, altri hanno creato associazioni per prendersi cura dei fratelli lontani, altri ancora sono riusciti a riabbracciare le proprie madri dopo 22 anni senza vedersi nè sentirsi.E pensare che tutto questo succedeva molto prima che iniziasse la pulizia etnica del Darfur, prima che un altro genocidio affliggesse le stesse regioni. Come rispondi quando chi ha vissuto tutto questo crede che Dio si sia stancato di loro?

www.youtube.com/watch?v=32IxyvoSZKo

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Sono diversi i modi per raccontare una storia: quello che comprende ogni minimo dettaglio, anche il più marginale, non importa; quello che va dritto al sodo; quello che vien bene solo se raccontato da qualcuno in particolare e quello che salterà sempre fuori con le stesse identiche parole della prima originale versione. Ci sono diversi modi per raccontare una storia, come tanti possono essere i motivi per farlo. Soldi, fama, inganno, intrattenimento, fascino.

In più riprese, all’interno del documentario “Ryan Alter Egos”, che racconta dell’animatore Ryan Larkin e del backstage del corto a lui dedicato ‘Ryan’ (vincitore del premio Oscar nel 2004), si cerca di dare un senso a tutto questo: quali conseguenze porterà alla già fragile vita di Ryan? Quale il motivo che spingeva Chris Landreth (l’autore di ‘Ryan’) a voler far tornare di dominio pubblico una triste storia come quella di uno dei più promettenti animatori canadesi degli anni 70? Scene forzate, superflue, inserite per dimostrare la propria buona fede solo perchè ai tempi Larkin era ancora vivo. Ma raccontare una storia non ha nulla a che fare con modi e motivi. Nè con la vita o la morte. Raccontare una storia come quella di Ryan Larkin significa parlare di arte, talento, scelte e fragilità, perchè come lo stesso Landreth si premura di precisare: “Siamo tutti fottuti, chi in un modo chi in un altro. È questo che rende le storie della nostra vita così interessanti.”

La National Film Board of Canada è il più prestigioso trampolino di lancio per la cinematografia e l’animazione canadese. E’ in questi studi che un giovanissimo Ryan Larkin, classe 1943, apprese le tecniche dell’animazione da uno dei più importanti animatori dell’epoca come Norman Mclaren. I suoi primi due lavori, Syrinx (1965) e Cityscape (1966), furono sufficienti per riconoscere in lui un grande talento, tanto che da lì a tre anni il suo primo vero lavoro ottenne visibilità mondiale. Nel 1969, infatti, il suo ‘Walking’ arrivò finalista alla notte degli Oscar, all’interno della sezione dedicata ai corti. Poco importa che non vinse, il suo è un capolavoro di animazione partito da una semplice idea: gente che cammina, ognuno a suo modo, con il suo stile, la sua cadenza e andatura. Uno studio. Un’opera d’arte.

www.youtube.com/watch?v=qNE3FhfjQkE

Era giovane, brillante ed esuberante. Aveva tante di quelle idee in testa che la sua scrivania e il suo ‘cubicolo’ alla NFB non riuscivano a contenere le tavole che disegnava senza sosta e freni. Passano altri tre anni, durante i quali con più gaiezza e frivolezza che quegli anni quasi imponevano, comincia un nuovo studio per il suo nuovo lavoro per la NFB. Lo intitolò ‘Street Musique’, una meravigliosa animazione psichedelica che riprendeva tutti quei gesti che lo stesso Larkin aveva compiuto davanti a specchi e pareti riflettenti. Ogni movimento, ogni tavola, è la rappresentazione animata dello stesso Larkin e del suo poetico, eclettico tratto. ‘Street Musique‘ del 1972, è stato il suo ultimo lavoro.

Quello che è successo dopo è solo una girandola di eccessi che piano piano l’ha portato ad assuefarsi di droghe e alcol. Nel 1978 finisce la sua collaborazione con la NFB. Il suo nome, e la sua stessa persona, spariscono nell’oblio e nel dimenticatoio. Lui stesso smette di seguire il suo sogno. Troppo forte è stata la pressione del successo da sopportare, troppe fragilità fino a quel punto represse nel lavoro e nei suoi disegni.La sua decisione, definitiva, fu quella di lasciare tutto. Diventare un senzatetto: ‘Così posso incontrare ogni giorno centinaia di persone diverse.’. Dirà così molti anni dopo, quando di lui si tornò a parlare, quando un cortometraggio (‘Ryan’, qui sotto) incentrato sulla sua vita e la sua decaduta vinse l’Oscar come miglior corto (computer-) animato. Lo stesso che trentacinque anni prima gli era sfuggito dalle dita, e che forse gli rese quegli onori che non era in grado di sopportare. L’autore, Chris Landreth, ha sempre visto Larkin come il genio che è. Ha voluto raccontare la sua storia, e l’ha fatto con un documentario di 14 minuti, ma in una maniera altrettanto psichedelica: una stanza per senzatetto, personaggi sullo sfondo che tanto assomigliano ai disegni di Ryan e i due artisti che si incontrano, ognuno con le proprie ferite della vita ben visibili e deturpanti.

A seguito del corto fu poi montato e pubblicato anche un più tradizionale documentario di 52 minuti che riprendeva il backstage della lavorazione dell’animazione (di cui ho parlato prima), insieme ad alcune interviste alle persone che più gli sono state vicine durante la sua ascesa e decadenza. Se siete curiosi, potete trovare a questo indirizzo. Ryan Larkin si è sempre rifiutato di smettere di bere birra fresca ogni giorno, la cocaina invece l’aveva già mollata da un pezzo quando firmò il suo primo lavoro dopo 35 anni, ‘Spare Change’. Gli era tornata la voglia di disegnare e cominciare a raccontare nuove storie, per questo aveva abbandonato, nel 2006, anche il suo ultimo compagno di viaggio come l’alcol. Purtroppo, però, siamo davvero tutti fottuti e dopo ‘Spare Change‘, che racconta i suoi ultimi anni di vita, Ryan ha intrapreso la sua ultima battaglia. Quella con il cancro che, sviluppatosi nei polmoni, gli ha intaccato il cervello, uccidendolo il 14 febbraio 2007.

Mettendo fine alla sua vita, ma non alla sua storia, tantomeno alle sue opere.

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Una sera di qualche anno fa, tra le strade dell’Upper East Side di New York, parlando con un amico di identità culturale, derivanze storiche e vertigini più o meno percepite in riguardo a fumi musicali e sociali, il nome di Kevin Devine venne fuori quasi per caso. Mi consigliò di ascoltare qualche sua canzone: un ‘truly newyorker’ lo definì. Ebbene, a distanza di quasi tre anni da quel momento, i suoi lavori restano tuttora un graditissimo ed emotivo cardine della mia libreria musicale. Un talento che seppur di difficile esportazione, offre melodie e liriche che pochi altri cantautori riescono ad offrire. Perchè?  Beh, essere un newyorker significa saper essere in molti luoghi e in molti tempi solo se in grado di sperimentarli. Kevin Devine non solo lo sa. Lo scrive. Lo suona.

Lavora molto con la chitarra, si lascia spesso andare in melodie ricercate ma sempre romantiche, un po’ barocche (nelle intenzioni); quando però la sua voce, a volte rauca, a volte secca, si inserisce deliziosamente tra le melodie, allora tutta la canzone acquista un senso di soddisfazione sempre mista a rabbia, malinconia e qualcosa che definirei amore. Devo ammettere di non aver inseguito tutta la sua discografia a ritroso,anzi. Il primo album che ho ascoltato è  ‘Put your ghost to rest’ (2008), pubblicato poche settimane dopo aver scoperto il suo nome tra i vicoli newyorkesi. Ed è proprio di quelle atmosfere (sempre mantenendo l’indole intimista che lo contraddistingue) che Kevin canta in quell’album, più precisamente di Brooklyn, dove è nato il 19 dicembre del 1979.  ‘Brooklyn Boy‘  è sicuramente una delle mie preferite di quell’album, ma Kevin si distingue anche per le liriche politiche che la sua mano creativa riesce a buttar giù sfruttando la sua emotiva lucida rabbia. Parole che perfettamente si amalgamo con la sua melodia. Come in “The Burning city smoking“, qui sotto.

www.youtube.com/watch?v=yKcsa2nFXI4

Oltre ai suoi lavori da solista, Kevin nel 2008 crea una collaborazione con un altro gruppo che personalmente apprezzo molto. Insieme ai Manchester Orchestra, band indie rock originaria di Atlanta, scrive e registra un album che prenderà lo stesso nome della collaborazione tra Kevin e Andy Hull (qui sotto), ovvero Bad Books : quattro canzoni le scrive lui, quattro Andy. Il risultato non cambia, le liriche sono belle, forti, e nel 2010 l’album viene pubblicato.

Dopo varie peripezie discografiche (che si uniscono, dividono, tornano, mollano), nel 2009 Kevin pubblica il suo quinto album ‘Brother’s blood‘ che se mi è permesso crederlo, è ancora più potente del precedente. Nella tracklist figurano canzoni come ‘Brother’s Blood’, ‘Carnival’ e ‘Another Bag of Bones’ che lasciano senza fiato. Vi lascio con l’ultima di queste. Una vera poesia che con rabbia riesce, in poche strofe, a descrivere perfettamente tutto il mondo che ‘ideologicamente’ ci circonda, la cui unica eredità che lascia è proprio ‘un altro sacco di ossa che gli dei dovranno svuotare‘.Non ho ben capito se il video sia quello ufficiale o meno (credo di no, ma poco importa), le immagini sono comunque degne delle note e parole di un vero newyorker.

www.youtube.com/watch?v=O1sXLzGj3C4

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Gli Stati Uniti sono i re dell’intrattenimento televisivo. Serie televisive vendute in tutto il mondo e format copiati e riciclati, ma  soprattutto, sono i padri indiscussi del talk show e dei one man show. Nomi come Jay Leno, David Letterman, Conan O’Brien o Jon Stewart gli altri paesi se li sognano. In Italia, per esempio, solo Luttazzi ha provato a creare qualcosa che assomigliasse a loro, ma sappiamo tutti come è andata a finire. Ebbene quest’anno gli Stati Uniti hanno assistito anche loro ad una situazione mediatica simile a quella passata da Luttazzi. Questa è la storia della Morte, Resurrezione (televisiva) di Conan O’Brien, capace di prendere il posto di Jay Leno alla guida del celebre Tonight Show, essere costretto a lasciare dopo soli sette mesi e tornare alla ribalta grazie alla clamorosa sommossa social-mediatica che ne è scaturita.

The Tonight Show è il più longevo e seguito programma di intrattenimento degli Stati Uniti (una media di 5.7 milioni di spettatori a sera) . Regolarmente in onda sulla NBC dal lontano 1954, la sua fascia oraria è quella delle 11.30 PM-12 AM. E’ lì che i più grandi nomi della storia televisiva americana si sono sempre dati battaglia a suon di audience, perchè quando alla guida di un programma hai uno come Jay Leno da una parte e David Letterman dall’altra, beh, il divertimento (intelligente) è assicurato. La storia di Conan O’ Brien inizia nel 1993, quando la NBC, dopo una lunga gavettaa scrivere per il SNL e The Simpsons, gli offre di condurre il Late Night Show, quello che va in onda subito dopo lo show di Leno. Il taglio è lo stesso: umorismo, ospiti, satira, intrattenimento; solo che l’orario va dalla mezzanotte all’una (da qui late night). Conan conduce con successo il suo programma per ben 16 anni, con in testa una sola speranza,  il suo sogno nel cassetto. Un giorno vorrebbe sostituire Jay Leno alla conduzione del Tonight Show. D’altronde questo è più o meno il sogno di tutti i comedian americani, anche dello stesso Letterman, che oggi è uno dei più seguiti, ma che nel 1992, quando l’allora conduttore del Tonight Show (nonchè suo grande amico) Jhonny Carson si ritirò dalla scena, rimase a bocca asciutta. Ci aveva sperato, e invece la NBC scelse, al suo posto, l’altrettanto fenomenale Jay Leno (quello che in una delle copertine del TIME veniva definito  “il futuro della televisione”). Fin qui niente di appariscente o lontano dalle tradizionali dinamiche televisive, ma le cose cambiano nel 2009: il programma di Leno è sempre in testa, ma il suo contratto è vicino alla scadenza. Alcune speculazioni parlano di Leno pronto a condurre un nuovo programma tutto suo presso un altra emittente. Niente di tutto questo. La NBC, infatti, ha preparato per Leno un programma tutto nuovo, con un orario diverso. Il 29 maggio, quindi, Leno lascia il Tonight show per andare in onda un ora prima. Due giorni dopo, il sogno di Conan O’Brien si avverà: sarà lui a condurre l’acclamatissimo Tonight Show.Quello che succede dopo, purtroppo, è il verificarsi di una parabola discendente e l’incrinarsi di qualcosa all’interno della rete. Era stato scelto O’Brien per svecchiare il pubblico di Leno, cioè porre le basi per dei futuri fan accaniti. O’Brien ci riesce alla grande in questo, aumentando di circa il 20% gli spettatori con un età tra i 18-49 anni. Sono gli altri che, dopo la scoppiettante puntata d’esordio, piano piano abbandonano lo spettacolo. Letterman sale nei gradimenti e nei rating, il Tonighe perde parte del suo pubblico e appeal. Dopo soli 7 mesi la NBC corre ai ripari, e sbaglia. Decide di spostare il programma di Leno all’orario del Tonight Show e quest’ultimo al posto del Late Night: in altre parole, tutto come prima a parte i nomi. O’Brien ne fa una questione di identità del Tonight Show, che va in onda in quella fascia da 60 anni, e che spostarlo sarebbe un crimine. Ne nasce una disputa contrattuale, che stimola l’opinione pubblica e fa crescere il caso. Nella puntata di “60 minutes” dedicata al caso, il conduttore Steve Croft introduce così la questione:

“…ci sono pochissime cose che nel nostro paese galvanizzano l’opinione pubblica oltre a qualcuno che fa casino riguardo le preferenze sessuali di qualcun altro. Una di queste è ovviamente ciò che guardano in televisione nel late night.”

Ha ragione, perchè ciò che è successo dopo, ha dell’incredibile.

Dopo giorni di contrattazioni e dichiarazioni mezzo stampa, la vicenda (costantemente seguita dalle telecamere e sui telegiornali) si trascina in strada dove migliaia di fan si riversano protestando in favore di Coco, creando slogan e icone pop. Insieme a loro, Conan raccoglie la solidarietà anche di Hollywood: tra gli altri Roger Ebert,Will Ferrell, Jim Carrey, Aziz Ansari, Alyssa Milano, Ben Stiller, Howard Stern e Ricky Gervais. Lo stesso David Letterman, definì O’Brien “a fine man”, sottolineando la poca credibilità di Leno e della NBC. Dopo giorni concitati, il tutto si conclude con Conan O’Brien che, dopo vent’anni di onorato servizio sulla NBC, decide di lasciare programma e rete, in cambio di un buon uscita di 42 milioni di dollari (12 dei quali destinati al suo intero staff). La rete, inoltre, impone legalmente a O’Brien di dire qualunque cosa riguardante la NBC e gli impedisce di rilasciare qualunque tipo di intervista per mesi, in altre parole tappandogli la bocca su quanto è successo, cercando di portarlo nel dimenticatoio. Jay Leno, nascosto dietro il cespuglio, zitto zitto si riprende il suo programma senza mai dire nulla. Eppure, nella sua ultima puntata alla guida del Tonight, definiva O’Brien come un fenomeno: “Conan rocks!!”, disse. Qui sotto, Conan che con classe saluta il pubblico del Tonight Show.

www.youtube.com/watch?v=isfHFfI81xU

La storia non finisce qui. Il giorno successivo O’Brien decide di non rasarsi più, e lancia una nuova immagine di sè, quella di un naufrago abbandonato su un isola deserta. Apre il suo account twitter che subito diventa seguitissimo e insieme al suo vecchio staff decide di fare l’unica cosa che la NBC non gli ha impedito di fare: un programma teatrale itinerante: il The Legally Prohibited from Being Funny on Television Tour. Sì, come nella pellicola “Radio America” di Robert Altman. 40 spettacoli in 32 città diverse. Un successo eclatante da tutto esaurito che, al debutto, recitava così:

“…è la prima volta che qualcuno paga per vedermi. Ultimamente lo fanno per andarmene…”

Poi, finalmente, il 12 aprile 2010, O’Brien annunciò di aver raggiunto un accordo con la TBS per la conduzione di un nuovo programma televisvo, in onda da questo novembre. Una curiosità: prima di accettare l’incarico Conan rimase titubante per qualche giorno. Il suo ingresso in rete avrebbe spostato lo show di George Lopez, il Lopez Tonight, avanti di un ora. Paradossalmente avrebbe quindi finito per fare a Lopez quello che la NBC fece con lui, ma le parole di George furono sufficienti a persuaderlo:

“I was on Team Coco, now I’m on Team Loco!”

Certo è che se anche a me dessero 30 milioni di euro per non lavorare….

Alison Bechdel, classe 1960,  è una fumettista statunitense. Di recente (2006) ha raggiunto una certa notorietà grazie alla sua ultima fatica, Fun Home. A Family Tragicomic: una novel che più che graphic, viene definita memoir novel per avere la caratteristica di essere un fumetto autobiografico. Più che parlare dello strepitoso successo raggiunto da questa autrice con il suo ultimo fumetto, vorrei raccontare perchè il suo nome sia oggi accostato ad un test cinematografico.

Tra il 1983 e il 2008, Alison si è occupata di creare una delle serie  di fumetti più longeve e di successo del panorama lesbico/omosessuale. “Dykes to watch out for”, o più semplicemente “DTWOF” (“Lesbiche da tener d’occhio”), racconta infatti la vita, gli amori e la politica di un gruppo di personaggi, per la maggior parte lesbiche, che vivono in una delle classiche cittadine dell’entroterra americano, forse Minneapolis, suggerisce Wikipedia. Ed è proprio in una di quelle strisce che, senza rendersene conto, Alison ha buttato lì tre semplici regole da seguire per capire se il film è adatto ad una lesbica o meno. “The Rule“, questo il titolo profetico della vignetta di riferimento, che potete trovare QUI per intero, mentre pubblico  un estratto qui sotto (per motivi di copyright).

Le tre, semplici regole, sono le seguenti:

1- (Nel film) Ci devono essere almeno due donne…

2- che parlano tra loro,

3- di qualsiasi cosa che non siano gli uomini.

Regole umoristiche che, scritte nel 1985, sono oggi diventate un caso. Perchè quella che è partita come una semplice vignetta, riesce oggi, nella sua semplicità, ad inquadrare alla perfezione quell’hollywoodiano problema sistemico che riguarda la scarsezza di ruoli femminili di rilievo nella maggior parte delle pellicole prodotte e distribuite. Perchè da quando, nel 1985, la vignetta  è stata pubblicata, qualcuno ha pensato bene di provare a metterla in pratica: oggi esiste anche un sito che ha avuto la brillante idea di catalogare i film in base a quello che oggi prende il nome di Bechdel Test. Di seguito anche la statistica rilevata, anno per anno, di tutti i film su cui è statao fatto il test. Sull’asse delle Y il numero di film recensiti, su quello delle X l’anno di uscita del film. Tra i colori, il rosso indica le pellicole in cui non vi è più di una donna tra i protagonisti; in arancione sono invece indicati i film in cui le donne presenti non comunicano tra loro; in giallo, infine, quei film in cui le donne parlano solo di uomini.

Il test però, come ovvio che sia , oltre ad essere curioso e molto interessante, non sa indicare la qualità del film o del suo successo ai botteghini. Riesce però a dimostrare come Hollywood includa (percentualmente) pochi personaggi femminili di rilievo, soprattuto in quei film dove il protagonista non è una donna. Di seguito, un ultimo video, tratto da FeministFrequency.com e ripreso dalla pagina personale (sul Chicago Sun Times )del critico cinematografico statunitense Roger Ebert, che vi spiegherà con altre parole quello che vi ho detto io, dandovi anche qualche esempio di alcuni tra i film più popolari e cult di sempre che, sorprendentemente, non hanno superato il test.

www.youtube.com/watch?v=bLF6sAAMb4s

Prima di chiudere: se in America è così evidente, vi siete mai chiesti quanti film italiani non passerebbero il test? Sarò malizioso, ma credo che con tutti quei “Natale a…” la percentuale sia molto, molto alta.

]]> http://www.czetablog.it/2010/11/22/the-bechtel-test/feed/ 0 http://www.czetablog.it/2010/11/17/eureka-le-migliori-invenzioni-del-2010/ http://www.czetablog.it/2010/11/17/eureka-le-migliori-invenzioni-del-2010/#comments Wed, 17 Nov 2010 11:53:46 +0000 Pavo http://www.czetablog.it/?p=1910

Alla voce Invenzione, wikipedia scrive:

“…è un’idea o una realizzazione che porta ad un avanzamento tecnologico. Secondo il gergo legale si intende una soluzione nuova ed originale di un problema tecnico. Essa può riguardare un prodotto o un processo.”

Si riferisce dunque a tutte quelle cose che, come nella Rivoluzione Industriale, hanno portato una serie di improvvise migliorie in grado di trasformare completamente qualsiasi panorama cui esse si riferiscono. La ferrovia ha cambiato completamente il modo di trasportare le merci (prima si cercava di sfruttare soprattutto sterminate reti di canali artificiali), le macchine hanno aumentato l’efficienza e la produttività, il telefono ha completamente rivoluzionato il modo di comunicare. Rendersi conto, oggi, di come le cose stiano cambiando, è però paradossalmente più difficile. A pensarci un attimo, negli anni della Rivoluzione Industriale la tecnologia a disposizione era molto molto poca e ovviamente rudimentale; oggi invece ne siamo talmente circondati da non prestare poi troppa attenzione a quelle che possono essere le invenzioni in grado di cambiare per sempre (si ritiene in meglio) il nostro life-style. Soprattutto perchè i grandi annunci, quelli che oggi sembrano un’esclusiva di Steve Jobs e della sua Apple, si limitano a semplici e a volte neanche così importanti migliorie del solo campo elettronico/tecnologico. Migliorie che non sono invenzioni, ma solo innovazioni: niente di nuovo, solo qualche ritocco. E’ anche su questa ambiguità che gioca il titolo del TIME, presentando le migliori Invenzioni del 2010. Molte di queste, sono appunto solo innovazioni, prendono oggetti già esistenti (non originali), e ne migliorano la capacità e l’efficienza in base a nuovi standard che la società odierna impone. Altre, invece, sono pazzesche. Ecco alcune delle più interessanti, utili e anche folli, divise per categoria (cosa che il TIME non fa):

INNOVAZIONE

The (almost) Waterless Washing Machine: ovvero la lavatrice del futuro. Il suo ciclo lavorativo sfrutta una doppia rotazione dei due anelli di cui è composta e le proprietà delle perle di nylon che puliranno i vostri capi. Richiede circa il 90% di acqua in meno rispetto ad una lavatrice attuale. Con la scarsità d’acqua che incombe, questa è un ottima tecnologia.

The Straddling Bus: un progetto cinese destinato a migliorare la viabilità pubblica. Il modo migliore per scappare dal traffico cittadino sarà quindi quello degli autobus sopraelevati, in grado di evitarvi lunghe code e polmoni intossicati. In Cina come in tutte le altre metropoli.
EyeWriter: come puoi comunicare se il tuo cervello è attivo ma il tuo corpo non risponde? E’ sufficiente un qualsiasi paio di occhiali e un software open-source per permettere a chi soffre di una sindrome neuromuscolare per tramutare il movimento degli occhi in disegni o parole.

KickStarter: è collegato all’EyeWriter. Kickstarter è un sito internet, “A new way to fund and follow creativity”. Se avete un idea per un’invenzione ma non avete abbastanza fondi per portarla a termine o distribuirla, su Kickstarter potete chiedere l’aiuto di internet, tramite donazioni anonime (nell’ordine di pochi dollari a persona). EyeWriter è nato così.

INVENZIONE

Emily: il robot-bagnino. Ok non è nulla di sconvolgente, però è 15 volte più veloce di un essere umano nel raggiungere la persona in pericolo. Emily è ovviamente un acronimo (Emergency Integrated Lifesaving Lanyard).

Lab-Grown Lungs: un piccolo sistema polmonare di un ratto creato in laboratorio partendo da alcune cellule, collagene e altri tessuti connettivi. E’ in grado di assumersi circa il 95% delle funzioni del sistema polmonare originale. Un punto di partenza.

Deep Green Underwater Kite: l’idea parte da un famosissimo gioco infantile, l’aquilone. Solo che sarà una struttura sottomarina in grado di generare energia elettrica. Il gioco è questo: l’acqua marina ha una densità di circa 800 volte l’aria, e per questo le turbine legate all’aquilone riusciranno a generare 800 volte l’energia dello stesso acquilone se fosse nel cielo. Il progetto è svedese e si dice posssa generare 500 KW anche solo in acque calme.

The Malaria-proof and the Mosquito Laser: una macchina in grado di identificare le zanzare portatrici di malaria e ucciderle con un piccolo raggio laser. Utile sicuramente nei paesi dove la malattia è ancora una piaga, ma potranno permettersela? Intanto alcuni scienziati dell’Università dell’Arizona stanno mutando una zanzara in modo da renderla immune alla malaria con l’intento di diffonderla lì dove la malaria contagia e fare in modo che abbiano la meglio sulle zanzare infette. Mah…
Ora…la categoria migliore, le invenzioni più inutili e folli.

FOLLIA

The Plastic-Fur Coat: il cappotto con la pelliccia di plastica. sarà che la sua inventrice parla di sostenibilità e riciclo, ma a me puzza di strumentalizzazione, moda e design.

Sarcasm Detection: il RIVELATORE DI SARCASMO in tutto il suo splendore. No, dico. L’idea è far rilevare a questo software tutti i commenti sarcastici su un determinato prodotto. Marketing, dicono, ma siamo sicuri non l’abbia inventato Sheldon Cooper? Bazinga.

Martin Jetpack: ancora con questa cagata del Jetpack?

Better 3d glasses: già il 3d andrebbe abolito, ma che il TIME inserisca gli occhiali 3d “meglio degli altri” nella sua lista, non lo sopporto.

L’ultimo lo scrivo tutto in grassetto. Gustatevi però tutta la lista completa delle migliori invenzioni selezionate dal Time a questo indirizzo. Voi che dite. Il 2010 sarà un anno da ricordare? Mi sa di no. Comunque basta farvi aspettare (se ce l’avete fatta ad arrivare fino a qui), volete sapere qual è la migliore, la più stupida, idiota, sarcastica invenzione del TIME di quest’anno? Preparatevi perchè è una bomba….davvero.

LESS DANGEROUS EXPLOSIVES

Esplosivi meno pericolosi!?

Questo l’inganno: una nuova serie di esplosivi più stabili da trasportare. Il TIME commenta così il fatto che questo nuovo esplosivo, l’ IMX-101, costa due dollari (al Kilo) in più della normale TNT:

“…the US Army is happy to pay the price for soldiers’ safety…”

Ora si potrebbe discutere parecchio su questo. Preferisco tacere. Per ora. Perchè questa è sicuramente la miglior invenzione dell’anno, con la miglior descrizione di sempre al seguito (sì Sheldon, questo è sarcasmo).